Review: Robocop

Vi las primeras dos entregas de la saga ochentera de Robocop hace una semana, en anticipación al estreno de la nueva película, sólo para recordar lo que las hizo especiales en su tiempo. Ambas, pero principalmente la primera, son grandes películas de acción y ciencia ficción con grandes dosis de sátira política y una buena historia, además de muy buenos efectos para su tiempo, que aún es posible apreciar cuando se tiene en cuenta la tecnología con la que se contaba en ese entonces. La verdad no recuerdo haber visto la tercera parte, pero por lo que se sabe en la cultura de cine, es mejor no verla. 

Lo que algunas personas que van a ver esta nueva versión de Robocop tal vez no sepan, es la cantidad de negativismo que hubo hacia la película desde que se anunció su existencia. Especialmente en Estados Unidos, Robocop es para sus fans una película tan querida que hacerla de nuevo era casi impensable, porque si algo tiene es que ha añejado bastante bien. Las primeras imágenes de los nuevos diseños y los avances de cine tampoco ayudaron mucho, haciéndola ver demasiado wanna be de Iron Man, y aparentemente carente del espíritu de la original, pero a pesar de todo ello este nuevo Robocop es un espectáculo que merece verse, donde el esfuerzo y el aprecio de los realizadores por el personaje habla de respeto por todo lo que vino detrás.

Lo primero que hay que destacar, es que esta nueva película no pretende reemplazar la obra de Paul Verhoeven, y este hecho es notable desde que en el título principal podemos oír el tema musical del Robocop original (momento en que mi niño interior me hizo casi pegar un brinco en el asiento). Partiendo de ese punto, el resto de la película dejará más que claro que más que un remake, o una copia de la original, es una reinvención del personaje, y hay que decirlo, los trailers no le hacen justicia a los efectos o trajes usados en ella. 

En el 2028, el detective Alex Murphy sigue una pista en medio de una ciudad corrupta en contra del jefe de la mafia Antoine Vallon, cuando un ataque fatal deja a su esposa con la decisión de permitirle a la compañía Omnicorp darle una segunda oportunidad a su esposo, convirtiéndolo en un hombre y una máquina al mismo tiempo. A partir del renacimiento de Murphy como Robocop, la cinta profundizará en los esfuerzos del equipo de científicos por nulificar el factor humano en él y usarlo al mismo tiempo para darle a la compañía Omnicorp la oportunidad de serles cedido el mando de la seguridad en las ciudades, además de eventualmente, su lucha por resolver el misterio de su asesinato. 

Son nuevos tiempos, y Robocop hace bien en no buscar recrear los mensajes de la cinta original, sino enfocarse más en la corrupción y manipulación corporativa así como la delgada línea entre el uso del poder de la tecnología o ser controlados por ese poder. 

Con un reparto excelente que incluye al siempre notable Gary Oldman, Michael Keaton, y un Samuel L. Jackson pasándola en grande con su papel, tenemos también a Joel Kinnaman como Alex Murphy quien en verdad no queda a deber. Mucho se dirá de la ausencia de la legendaria compañera de Robocop, Lewis, y como pasa a ser ahora un compañero afroamericano con menos aparición pero personalmente lo considero un acierto más. No había forma de que hubieran escogido una actriz que tuviera a la gente contenta para suplantar a la Lewis original, y mientras en aquella película su personaje valía como la unica conexión de Murphy con su lado humano, aquí se explora más un área que fue muy fría en cintas pasadas y es la de la relación de Murphy con su familia, y para esto tenemos a Abbie Cornish (Sucker Punch) como la esposa que batallará por la humanidad de su esposo. 

Hay muchos otros cambios en Robocop, pero la película no desperdicia oportunidades de hacer guiños inteligentes a la original, en especial al final de la película, donde pareciera haberse escuchado los deseos de los fans y a la vez, nos damos cuenta que fue realizada por gente que tiene en gran aprecio a la primera.

La trama es interesante en todo momento y aunque hubo temor por la diferencia en clasificaciones (la primera fue "R"/C y esta es "PG-13"/B) y la reducción de violencia, Robocop tiene suficiente contenido sacado de una pesadilla (llevando la clasificación a sus límites), en particular el shockeante momento de la revelación a Murphy de la extensión del daño a su cuerpo, una escena tan bien realizada que quedará un buen rato en sus cabezas. 

Y a pesar que la primera era más una cinta de acción y venganza, y se extrañan más escenas donde veamos a Robocop haciendo el servicio a la comunidad, se agradece que se haya buscado el camino más difícil, de presentar algo nuevo y esforzarse por hacer de este un personaje más humano y por consiguiente trágico. Tomará tiempo acostumbrarse a estas nuevas versiones de nuestros héroes ochenteros pero al igual que con Man of Steel, se ha hecho un trabajo de cariño y no simplemente comercial, con el nuevo Robocop.

8/10

Fire and Death: The Hobbit, The Desolation of Smaug

Cuando se anunció la adaptación de El Hobbit de J.R. Tolkien, la noticia fue motivo de alegría para muchos seguidores de la adaptación fílmica de El Señor de los Anillos. Otra gran noticia fue que el director de la anterior trilogía Peter Jackson tomara las riendas, aunque lo que no fue del todo convincente fue la decisión de que El Hobbit tuviera que ser dividida en tres partes, siendo que el libro es más pequeño que uno solo de los tres libros en los que se basó la trilogía pasada.
Dicho dilema fue evidente para muchos al estrenarse hace un año la primera de esta nueva trilogía,  situada antes de los oscuros eventos de la saga de El Señor de los Anillos. La trama de la cinta, que para mi gusto fue suficientemente entretenida y bien producida, sí parecía en ocasiones evidenciar los esfuerzos de los guionistas por extender una historia simple que en su origen consideraba como lectores blanco a niños y jóvenes, y tras una saga tan vasta en contenido y desafíos como El Señor de los Anillos, encontrarse con la historia de un grupo de enanos que emprende una travesía para recuperar su hogar de manos de un dragón puede ser un cambio drástico de dimensiones. Aún con esto, fue agradable encontrar una historia que se tomara su tiempo en ser contada, y apelara al público infantil sin ser demasiado simplista. Además, regresar a la Tierra Media de la mano del mismo director que nos llevó ahí por primera vez siempre es un privilegio en una época de tanto cinismo cinematográfico donde el buen cine de género fantástico queda tan relegado o suele ser llevado a cabo con penosa calidad.
Entra The Hobbit: The Desolation of Smaug, la segunda parte de esta trilogía, y desde sus primeras escenas nos queda claro que no estamos en ante el mismo panorama. Hay ahora desde su comienzo un sentido de urgencia y una atmósfera de peligro constante, donde las nuevas aventuras de los personajes nos hacen sentirlos cada vez menos a salvo que en el film anterior. Esta vez, el enano Thorin y su compañía que incluye al hobbit Bilbo, están más cerca de su objetivo de recuperar el hogar del que fueron despojados y así restaurar el reinado de Thorin, a la vez que una maldad sólo percibida en el primer capítulo, busca más desesperadamente cerrarles el paso, y los mayores riesgos ponen a prueba la lealtad de los seguidores del orgulloso príncipe enano. Nuevos e interesantes aliados, más villanos, más graves amenazas, y una carga mucho más fuerte de batalla y violencia hacen que se nos olvide durante gran parte de la película que aún nos falta ver al personaje que le da título a esta segunda parte, el enorme y malévolo dragón Smaug, y cuando finalmente aparece en las secuencias que dan cierre a este capítulo, vaya que es un festín cinematográfico.

Queda claro ahora, que esta nueva trilogía no debe verse con la misma lupa que juzgaba qué tan apegado era Jackson al material original de El Señor de los Anillos, sino como una trilogía que se basó en una historia sencilla para expandirla y elevarla en significado, cosa que Jackson ya logró antes exitosamente con King Kong.
Recomendada como lo mejor de esta temporada en cines, y un filme sobresaliente del año, La Desolación de Smaug son casi tres horas de entretenimiento seguro en medio de fantasía bien realizada y cuyo final sólo generará un mayor interés por la conclusión de esta aventura el próximo año.

Review: Catching Fire

En esta secuela de la primera adaptación de The Hunger Games, las muestras de rebeldía e incoformidad en los distritos inspiradas por la victoria incómoda de Katniss Everdeen y Peeta Mellark, provocan violentos actos de represión por parte del Capitolio, entre ellos un cambio de reglas en los nuevos Juegos del Hambre, donde los antiguos vencedores deberán regresar a la arena a batallar unos con otros, mientras el principal objetivo del Presidente es hacer crecer el miedo despojando a Katniss de la imagen de heroína que se ha ganado con el público.

Debo decir que no he leído los libros de Suzanne Collins, y por tanto mi conocimiento y opiniones sobre ellos son sólo la que otra gente me ha dado, pero en cuanto a lo fílmico, Catching Fire es una película que se siente mejor realizada y dirigida que la primera parte de su adaptación en cine. Desde su comienzo se percibe notoriamente mayor presión, y a pesar de que los juegos no inician hasta pasada esa hora y media, en ningún momento la película se siente lenta, ya que cada suceso plantea y desarrolla mejor a los personajes que ya conocemos, y nos presenta a los nuevos de manera interesante. Es quizá por este desarrollo tan bueno de la trama, que se siente que se pudiera haber hecho más con dichos personajes y explorar mejor las ideas ya bien planteadas. Algunos de ellos son eliminados muy rápido, y con otros no pasamos suficiente tiempo una vez que los juegos comienzan. Sé que esto es mayormente debido al seguimiento de la historia en la novela, y tengo entendido que los juegos en ella duran mucho menos, así que puedo entender porqué una vez que esta parte en la película comienza, el ritmo se acelera demasiado. Estos stops creativos suelen ser en ocasiones las limitantes de este tipo de adaptaciones al depender tanto en un material de origen, siendo otra de dichas limitantes la carencia de un desenlace apropiado. Hay cintas como la trilogía de El Señor de los Anillos o las adaptaciones de Harry Potter que se esfuerzan por cerrar la película de forma tal que eviten que el espectador salga de la sala sintiendo que vio algo "incompleto". En el caso de Catching Fire, estamos en uno de los casos contrarios. Para cuando vi ame
nazar el final inconcluso durante la última toma, pedía por dentro una escena más para que no ocurriera de forma tan brusca, pero no fue este el caso.

A pesar de todo esto, no se puede negar que Catching Fire muestra un mejor presupuesto y una mejor dirección que su predecesora, y la cinta es un viaje emocionante y tenso en casi todo momento. La trama se presta para demandar mejores actuaciones en los personajes, y nadie queda a deber. Jennifer Lawrence, quien ahora ya es Mejor Actriz, hace suyo al personaje y da rienda suelta a sus dotes actorales además de ganarse nuevamente nuestra simpatía, mientras que de los nuevos personajes Jena Malone es ciertamente a quien mas aprecié, y espero en la secuela podamos ver más de ella. Personajes secundarios que ya conocíamos encarnados por Elizabeth Banks y Woody Harrelson entre otros, tienen ahora un mayor peso en la historia, y se les aprovecha de mejor forma, especialmente la primera, quien ha aprendido a tener afecto por los jóvenes a su cargo, y batalla visiblemente por no mostrat demasiado su preocupacion por los jóvenes protagonistas.
En cuanto a la música, no noté que James Newton Howard fuera también el compositor de la primera, pero en esta secuela definitivamente hace de su presencia parte integral, trabajando junto con el director para apoyar escenas tensas, generando una banda sonora más dinámica y sobresaliente que la anterior.
Así que Catching Fire es buena, pero como dije, aún se siente algo limitada quizá por su fuente para poder haberse convertido en esa clásica secuela que convence al espectador de que la calidad de lo que viene no está en duda.

8/10

Carrie: Some Things Lost In Translation

Remakes. En ocasiones pueden ser el extraño caso en que se homenajea y se da una nueva visión sobre una historia ya contada. En otros casos, es una repetición innecessaria y poco inspirada. En el caso de Carrie, no se sabe bien cual de las dos cosas trató de ser.
Es de extrañar que teniendo como directora a Kimberly Price, no haya hecho esta película suya, y se vea más como una versión actualizada de lo que ya habíamos visto en cine. Si bien hay unas pocas nuevas escenas tomadas del libro de Stephen King, hay demasiado en Carrie que ya hemos visto, y en el proceso de modernizar la historia hay ciertos aciertos, pero ciertas cosas importantes fueron perdidas, principalmente caracterizaciones y eventos que nos permitían conectar más con esta trágica historia sobre una joven tímida objeto de los insultos de su escuela entera y los maltratos de su madre, y quien está por descubrir que posee telequinésis, conduciéndola hasta el día fatídico en que las bromas llegan a su límite durante una noche de graduación.
Es durante la primera mitad de la película que pareciera haber un mayor esfuerzo por dotar a esta historia de personalidad propia, haciendo que Carrie sea una joven más inteligente que en otras versiones, capaz de recitar pasajes de la Biblia que contradigan la equivocada visión de Dios de su madre, o lamentándose por sus mortales arranques de violencia; más momentos así nos hubieran hecho simpatizar con el personaje, pero demasiado tiempo de la película la protagonista pareciera estar obligada a ser simplemente una hoja movida en base a las circunstancias, especialmente cuando de una sección en adelante, la cinta se pone en automático para contarnos la historia, y el buen esfuerzo que parecía percibirse en su inicio se torna en futil.
No que Chloe Moretz tenga la culpa, la joven evidentemente es demasiado guapa para hacernos creer que es considerado alguien desagradable en su escuela, pero Moretz se esfuerza y es durante la inevitable retribución de la broma en la noche de graduación, que podemos sentirla brillar finalmente a como lo ha hecho en otros papeles.
Por otro lado Julianne Moore hace lo que puede con la caricatura de personaje que escribieron para ella. Mientras que la personificación de la madre de Carrie en la versión anterior generaba al espectador repulsión y tensión, una sala entera riéndose durante casi todas sus escenas es una muestra que algo salió mal en la forma como se trabajó con ésta.
Del resto de las actuaciones no hay nada memorable, y se extraña que mientras que el personaje de Chris, la bully principal de Carrie, fuera alguien a quien llegásemos a conocer lo suficiente para odiarlo como en la encarnación de Nancy Allen, aquí se le haya dado muy poca atención y sea sólo una chica más.
Varios detalles de la novela de Stephen King faltantes en la cinta de 1976 son reinsertados en esta versión, pero en su extraña incapacidad de salirse del molde de lo hecho antes, la nueva Carrie es una oportunidad perdida para crear una nueva y memorable versión de un clásico.

6/10

You're Next: Looking for the magic

Del bonchado de películas de terror que sale cada año casi por lo general sólo una película es rescatable y ofrece una propuesta que si bien no es cien por ciento original (cosa que a estas alturas es casi imposible) al menos busca salirse de los clichés... o divertirse con ellos. A mediados de los noventa Scream lo hizo de forma excelente, y de paso creó una nueva tendencia que fue sobreexplotada hasta ser reemplazada por el cine de fantasmas a principios del 2000, luego el de tortura cerca del 2004,  y ahora el de posesiones demoniacas.
Dicho esto El Conjuro no fue para mi en absoluto novedosa, y ya no digamos tan asustadora como mucha gente asegura que es. De hecho me pareció muy reciclada y predecible. No es así el caso con You're Next, una película que en verdad disfruté en cada minuto de su adecuada duración de hora y media.

La historia comienza siendo muy familiar a otras películas de invasiones al hogar: Una pareja convoca a todos sus hijos a celebrar su 35 aniversario de casados en una propiedad fuera de la ciudad, quienes asisten con sus parejas en lo que parece será una velada agradable, sin embargo la cena pronto nos muestra que hay ciertos rencores guardados en la familia, pero antes que puedan ser resueltos comienza un ataque sin causa aparente por un trío de hombres disfrazados con máscaras de animales, con habilidades tales de cazadores experimentados. Hasta aquí nada que no hayamos visto, pero es en la ejecución de esta trama y en la forma de darle giros inesperados, lo cual la pone por encima del resto.
Ahora, por lo general una cinta de terror sobre invasiones al hogar nunca suele ser una experiencia enteramente disfrutable. Tensa y llena de adrenalina sí pero no totalmente disfrutable por la base cruel de su temática, sin embargo You're Next se las arregla para aligerar notablemente esta carga dramática con balanceadas e ingeniosas dosis de humor. De hecho, la rapidez con la que hace saltos de lo trágico al humor es de elogiar, nunca se siente forzado y ayuda a aliviar la tensión en oportunidades que cualquier otro director aprovecharía para shockear de forma barata a la audiencia. You're Next busca en cambio reemplazar escenas gratuitas con una trama que busca entretener de forma inteligente al espectador, en lugar de atormentarlo, y aunque la cinta ciertamente no hace concesiones al mostrar violencia no la convierte en su elemento principal.

No debo decir más para no revelar mucho, pero hay bastante que es bueno. Obviamente la dirección y la música acertada hacen mucho, y la protagonista es algo que no vemos desde Neve Campbell, por lo que es mucho muy fácil aplaudirle cada triunfo temporal. En general, un film del género slasher que entiende que uno va a ver este tipo de películas a pasar un rato entretenido, y lo mejor que he visto en cine de terror en el año.

Krissaurus' Scary Movie Collection: Cujo

El cine de terror y suspenso suele dividirse en dos grandes categorías. La primera de ellas es acerca del temor que infunden elementos fuera de lo común y sobrenaturales, el miedo a lo desconocido. La segunda categoría tiene que ver más con aquellas cosas y lugares familiares que nos hacen sentir seguros, pero que están a punto de ser torcidos por algo malévolo. En el caso de Cujo, es el animal considerado el mejor amigo del hombre, quien está por recibir este tratamiento.

Tal es el caso de Cujo, en la que tenemos al San Bernardo que le da título a la película, un perro tan manso que quienes lo conocen opinan que no serviría de perro guardián, ama a los niños y es querido por la familia con la que vive. Esto es hasta que un murciélago con rabia lo muerde, y Cujo comienza un descenso difícil a la vista del perro fiel que era a un asesino cruel y violento.

Al mismo tiempo que estos sucesos se van desarrollando, tenemos a la protagonista Donna, madre y esposa de una familia prácticamente perfecta, quien por alguna razón decide tener un amorío con un conocido de su esposo. Cuando la verdad está por salir a la luz, Donna comienza un recorrido sin saberlo a una cadena de eventos que probará hasta qué límites será capaz de llegar por proteger a la familia a la que le dio la espalda.

Es bastante curioso que existan tan pocas películas sobre perros asesinos, siendo Cujo la única de buena calidad, y creo que esto demuestra bien el tabú que es pensar que algo así pueda suceder. Para nadie es agradable ver a un perro asesinar gente, son seres quienes se les confían niños, la mayor parte de las veces son considerados miembros de la familia y pocos vínculos hay tan fuertes entre animales y humanos.

La novela en la que se basa, escrita por Stephen King, posee un tono más oscuro y deprimente, pero es de entender que varios sucesos hayan sido modificados en la película, ya que si bien la cinta se resiste en todo momento a convertirse en un baño de sangre, la violencia es más bien de índole psicólogica, y posee ya suficientes escenas intensas.

A pesar de que las actuaciones no son impecables, la película lo compensa con su historia y sus logros técnicos, especialmente el maquillaje y el tenaz uso de los varios perros que encarnan a Cujo, para crear secuencias tensas y realistas.

Cujo no es oro puro, pero es una película más que decente, y definitivamente un nombre de importancia en el buen cine de suspenso. 

Krissaurus' Scary Movie Collection: Poltergeist

En Poltergeist, la más pequeña integrante de una familia de los suburbios se siente atraída por la estática de los televisores de la casa, a veces incluso platicando manteniendo conversaciones a altas horas de la noche, situación que los padres inicialmente culpan a la herencia de sonambulismo en la familia. Pero más sucesos extraños comienzan a suceder, y lo que en un principio parece divertido y despierta la curiosidad de los miembros de la familia se torna en algo cada vez más peligroso, que ha puesto sus ojos en la pequeña Carol Ann.
Poltergeist es quizá el mejor ejemplo de que la apreciación de la calidad de una película aún con el paso del tiempo es consecuencia de tener una base emocional con el que el público de toda época pueda conectarse, y eso es precisamente lo que se logra con la familia aquí retratada. Pasadas ya décadas desde su estreno en cine, y con efectos que a pesar de ser los más novedosos en su tiempo ahora no provocan las mismas respuestas en el espectador, la mayor fuerza de Poltergeist son los miembros de la familia, con un guión que nos permite durante grandes tramos pasar suficientemente tiempo con ellos para que nos importen al grado de llegar a sentirnos parte de la misma, lo que ocasiona que cuando el infierno se desate, estemos completamente involucrados.
Más que una historia de fantasmas, Poltergeist es una representación del efecto que causa en una familia el peligro de uno de sus integrantes, pasando desde los estragos en cada miembro hasta la conmovedora unión que sucesos así ocasionan. Sí quizá en su tiempo fue considerada terror, no queda mucha huella de ello, más bien parece ser una aventura familiar con el sello de Spielberg a todo lo largo. Mucho se ha dicho sobre el grado de involucramiento que dicho director en esta su primera producción, e incluso se ha rumorado fuertemente que fue él el responsable de filmar la mayor parte de las escenas, y no su director oficial Tobe Hooper. No lo sé y ha sido sujeto de mucha discusión, pero ciertamente al haber visto películas de ambos directores, si me preguntaran diría que Poltergeist es en su mayor porcentaje de Spielberg.
Las actuaciones son todas elogiables aquí, destacando JoBeth Williams y Beatrice Straight cuya calidez humana roba cámara aún a los espíritus chocarreros de la cinta. Circulan rumores tontos sobre una supuesta maldición que rodeó a esta saga, ( de la cual considero que sólo este primer episodio es necesario) y es algo triste que se le recuerde más por ello, cuando hay tanto por elogiar en cada persona envuelta, a pesar de cualquier tragedia que haya sucedido a miembros de un reparto de tan buena calidad.