Fire and Death: The Hobbit, The Desolation of Smaug

Cuando se anunció la adaptación de El Hobbit de J.R. Tolkien, la noticia fue motivo de alegría para muchos seguidores de la adaptación fílmica de El Señor de los Anillos. Otra gran noticia fue que el director de la anterior trilogía Peter Jackson tomara las riendas, aunque lo que no fue del todo convincente fue la decisión de que El Hobbit tuviera que ser dividida en tres partes, siendo que el libro es más pequeño que uno solo de los tres libros en los que se basó la trilogía pasada.
Dicho dilema fue evidente para muchos al estrenarse hace un año la primera de esta nueva trilogía,  situada antes de los oscuros eventos de la saga de El Señor de los Anillos. La trama de la cinta, que para mi gusto fue suficientemente entretenida y bien producida, sí parecía en ocasiones evidenciar los esfuerzos de los guionistas por extender una historia simple que en su origen consideraba como lectores blanco a niños y jóvenes, y tras una saga tan vasta en contenido y desafíos como El Señor de los Anillos, encontrarse con la historia de un grupo de enanos que emprende una travesía para recuperar su hogar de manos de un dragón puede ser un cambio drástico de dimensiones. Aún con esto, fue agradable encontrar una historia que se tomara su tiempo en ser contada, y apelara al público infantil sin ser demasiado simplista. Además, regresar a la Tierra Media de la mano del mismo director que nos llevó ahí por primera vez siempre es un privilegio en una época de tanto cinismo cinematográfico donde el buen cine de género fantástico queda tan relegado o suele ser llevado a cabo con penosa calidad.
Entra The Hobbit: The Desolation of Smaug, la segunda parte de esta trilogía, y desde sus primeras escenas nos queda claro que no estamos en ante el mismo panorama. Hay ahora desde su comienzo un sentido de urgencia y una atmósfera de peligro constante, donde las nuevas aventuras de los personajes nos hacen sentirlos cada vez menos a salvo que en el film anterior. Esta vez, el enano Thorin y su compañía que incluye al hobbit Bilbo, están más cerca de su objetivo de recuperar el hogar del que fueron despojados y así restaurar el reinado de Thorin, a la vez que una maldad sólo percibida en el primer capítulo, busca más desesperadamente cerrarles el paso, y los mayores riesgos ponen a prueba la lealtad de los seguidores del orgulloso príncipe enano. Nuevos e interesantes aliados, más villanos, más graves amenazas, y una carga mucho más fuerte de batalla y violencia hacen que se nos olvide durante gran parte de la película que aún nos falta ver al personaje que le da título a esta segunda parte, el enorme y malévolo dragón Smaug, y cuando finalmente aparece en las secuencias que dan cierre a este capítulo, vaya que es un festín cinematográfico.

Queda claro ahora, que esta nueva trilogía no debe verse con la misma lupa que juzgaba qué tan apegado era Jackson al material original de El Señor de los Anillos, sino como una trilogía que se basó en una historia sencilla para expandirla y elevarla en significado, cosa que Jackson ya logró antes exitosamente con King Kong.
Recomendada como lo mejor de esta temporada en cines, y un filme sobresaliente del año, La Desolación de Smaug son casi tres horas de entretenimiento seguro en medio de fantasía bien realizada y cuyo final sólo generará un mayor interés por la conclusión de esta aventura el próximo año.

Review: Catching Fire

En esta secuela de la primera adaptación de The Hunger Games, las muestras de rebeldía e incoformidad en los distritos inspiradas por la victoria incómoda de Katniss Everdeen y Peeta Mellark, provocan violentos actos de represión por parte del Capitolio, entre ellos un cambio de reglas en los nuevos Juegos del Hambre, donde los antiguos vencedores deberán regresar a la arena a batallar unos con otros, mientras el principal objetivo del Presidente es hacer crecer el miedo despojando a Katniss de la imagen de heroína que se ha ganado con el público.

Debo decir que no he leído los libros de Suzanne Collins, y por tanto mi conocimiento y opiniones sobre ellos son sólo la que otra gente me ha dado, pero en cuanto a lo fílmico, Catching Fire es una película que se siente mejor realizada y dirigida que la primera parte de su adaptación en cine. Desde su comienzo se percibe notoriamente mayor presión, y a pesar de que los juegos no inician hasta pasada esa hora y media, en ningún momento la película se siente lenta, ya que cada suceso plantea y desarrolla mejor a los personajes que ya conocemos, y nos presenta a los nuevos de manera interesante. Es quizá por este desarrollo tan bueno de la trama, que se siente que se pudiera haber hecho más con dichos personajes y explorar mejor las ideas ya bien planteadas. Algunos de ellos son eliminados muy rápido, y con otros no pasamos suficiente tiempo una vez que los juegos comienzan. Sé que esto es mayormente debido al seguimiento de la historia en la novela, y tengo entendido que los juegos en ella duran mucho menos, así que puedo entender porqué una vez que esta parte en la película comienza, el ritmo se acelera demasiado. Estos stops creativos suelen ser en ocasiones las limitantes de este tipo de adaptaciones al depender tanto en un material de origen, siendo otra de dichas limitantes la carencia de un desenlace apropiado. Hay cintas como la trilogía de El Señor de los Anillos o las adaptaciones de Harry Potter que se esfuerzan por cerrar la película de forma tal que eviten que el espectador salga de la sala sintiendo que vio algo "incompleto". En el caso de Catching Fire, estamos en uno de los casos contrarios. Para cuando vi ame
nazar el final inconcluso durante la última toma, pedía por dentro una escena más para que no ocurriera de forma tan brusca, pero no fue este el caso.

A pesar de todo esto, no se puede negar que Catching Fire muestra un mejor presupuesto y una mejor dirección que su predecesora, y la cinta es un viaje emocionante y tenso en casi todo momento. La trama se presta para demandar mejores actuaciones en los personajes, y nadie queda a deber. Jennifer Lawrence, quien ahora ya es Mejor Actriz, hace suyo al personaje y da rienda suelta a sus dotes actorales además de ganarse nuevamente nuestra simpatía, mientras que de los nuevos personajes Jena Malone es ciertamente a quien mas aprecié, y espero en la secuela podamos ver más de ella. Personajes secundarios que ya conocíamos encarnados por Elizabeth Banks y Woody Harrelson entre otros, tienen ahora un mayor peso en la historia, y se les aprovecha de mejor forma, especialmente la primera, quien ha aprendido a tener afecto por los jóvenes a su cargo, y batalla visiblemente por no mostrat demasiado su preocupacion por los jóvenes protagonistas.
En cuanto a la música, no noté que James Newton Howard fuera también el compositor de la primera, pero en esta secuela definitivamente hace de su presencia parte integral, trabajando junto con el director para apoyar escenas tensas, generando una banda sonora más dinámica y sobresaliente que la anterior.
Así que Catching Fire es buena, pero como dije, aún se siente algo limitada quizá por su fuente para poder haberse convertido en esa clásica secuela que convence al espectador de que la calidad de lo que viene no está en duda.

8/10

Carrie: Some Things Lost In Translation

Remakes. En ocasiones pueden ser el extraño caso en que se homenajea y se da una nueva visión sobre una historia ya contada. En otros casos, es una repetición innecessaria y poco inspirada. En el caso de Carrie, no se sabe bien cual de las dos cosas trató de ser.
Es de extrañar que teniendo como directora a Kimberly Price, no haya hecho esta película suya, y se vea más como una versión actualizada de lo que ya habíamos visto en cine. Si bien hay unas pocas nuevas escenas tomadas del libro de Stephen King, hay demasiado en Carrie que ya hemos visto, y en el proceso de modernizar la historia hay ciertos aciertos, pero ciertas cosas importantes fueron perdidas, principalmente caracterizaciones y eventos que nos permitían conectar más con esta trágica historia sobre una joven tímida objeto de los insultos de su escuela entera y los maltratos de su madre, y quien está por descubrir que posee telequinésis, conduciéndola hasta el día fatídico en que las bromas llegan a su límite durante una noche de graduación.
Es durante la primera mitad de la película que pareciera haber un mayor esfuerzo por dotar a esta historia de personalidad propia, haciendo que Carrie sea una joven más inteligente que en otras versiones, capaz de recitar pasajes de la Biblia que contradigan la equivocada visión de Dios de su madre, o lamentándose por sus mortales arranques de violencia; más momentos así nos hubieran hecho simpatizar con el personaje, pero demasiado tiempo de la película la protagonista pareciera estar obligada a ser simplemente una hoja movida en base a las circunstancias, especialmente cuando de una sección en adelante, la cinta se pone en automático para contarnos la historia, y el buen esfuerzo que parecía percibirse en su inicio se torna en futil.
No que Chloe Moretz tenga la culpa, la joven evidentemente es demasiado guapa para hacernos creer que es considerado alguien desagradable en su escuela, pero Moretz se esfuerza y es durante la inevitable retribución de la broma en la noche de graduación, que podemos sentirla brillar finalmente a como lo ha hecho en otros papeles.
Por otro lado Julianne Moore hace lo que puede con la caricatura de personaje que escribieron para ella. Mientras que la personificación de la madre de Carrie en la versión anterior generaba al espectador repulsión y tensión, una sala entera riéndose durante casi todas sus escenas es una muestra que algo salió mal en la forma como se trabajó con ésta.
Del resto de las actuaciones no hay nada memorable, y se extraña que mientras que el personaje de Chris, la bully principal de Carrie, fuera alguien a quien llegásemos a conocer lo suficiente para odiarlo como en la encarnación de Nancy Allen, aquí se le haya dado muy poca atención y sea sólo una chica más.
Varios detalles de la novela de Stephen King faltantes en la cinta de 1976 son reinsertados en esta versión, pero en su extraña incapacidad de salirse del molde de lo hecho antes, la nueva Carrie es una oportunidad perdida para crear una nueva y memorable versión de un clásico.

6/10

You're Next: Looking for the magic

Del bonchado de películas de terror que sale cada año casi por lo general sólo una película es rescatable y ofrece una propuesta que si bien no es cien por ciento original (cosa que a estas alturas es casi imposible) al menos busca salirse de los clichés... o divertirse con ellos. A mediados de los noventa Scream lo hizo de forma excelente, y de paso creó una nueva tendencia que fue sobreexplotada hasta ser reemplazada por el cine de fantasmas a principios del 2000, luego el de tortura cerca del 2004,  y ahora el de posesiones demoniacas.
Dicho esto El Conjuro no fue para mi en absoluto novedosa, y ya no digamos tan asustadora como mucha gente asegura que es. De hecho me pareció muy reciclada y predecible. No es así el caso con You're Next, una película que en verdad disfruté en cada minuto de su adecuada duración de hora y media.

La historia comienza siendo muy familiar a otras películas de invasiones al hogar: Una pareja convoca a todos sus hijos a celebrar su 35 aniversario de casados en una propiedad fuera de la ciudad, quienes asisten con sus parejas en lo que parece será una velada agradable, sin embargo la cena pronto nos muestra que hay ciertos rencores guardados en la familia, pero antes que puedan ser resueltos comienza un ataque sin causa aparente por un trío de hombres disfrazados con máscaras de animales, con habilidades tales de cazadores experimentados. Hasta aquí nada que no hayamos visto, pero es en la ejecución de esta trama y en la forma de darle giros inesperados, lo cual la pone por encima del resto.
Ahora, por lo general una cinta de terror sobre invasiones al hogar nunca suele ser una experiencia enteramente disfrutable. Tensa y llena de adrenalina sí pero no totalmente disfrutable por la base cruel de su temática, sin embargo You're Next se las arregla para aligerar notablemente esta carga dramática con balanceadas e ingeniosas dosis de humor. De hecho, la rapidez con la que hace saltos de lo trágico al humor es de elogiar, nunca se siente forzado y ayuda a aliviar la tensión en oportunidades que cualquier otro director aprovecharía para shockear de forma barata a la audiencia. You're Next busca en cambio reemplazar escenas gratuitas con una trama que busca entretener de forma inteligente al espectador, en lugar de atormentarlo, y aunque la cinta ciertamente no hace concesiones al mostrar violencia no la convierte en su elemento principal.

No debo decir más para no revelar mucho, pero hay bastante que es bueno. Obviamente la dirección y la música acertada hacen mucho, y la protagonista es algo que no vemos desde Neve Campbell, por lo que es mucho muy fácil aplaudirle cada triunfo temporal. En general, un film del género slasher que entiende que uno va a ver este tipo de películas a pasar un rato entretenido, y lo mejor que he visto en cine de terror en el año.

Krissaurus' Scary Movie Collection: Cujo

El cine de terror y suspenso suele dividirse en dos grandes categorías. La primera de ellas es acerca del temor que infunden elementos fuera de lo común y sobrenaturales, el miedo a lo desconocido. La segunda categoría tiene que ver más con aquellas cosas y lugares familiares que nos hacen sentir seguros, pero que están a punto de ser torcidos por algo malévolo. En el caso de Cujo, es el animal considerado el mejor amigo del hombre, quien está por recibir este tratamiento.

Tal es el caso de Cujo, en la que tenemos al San Bernardo que le da título a la película, un perro tan manso que quienes lo conocen opinan que no serviría de perro guardián, ama a los niños y es querido por la familia con la que vive. Esto es hasta que un murciélago con rabia lo muerde, y Cujo comienza un descenso difícil a la vista del perro fiel que era a un asesino cruel y violento.

Al mismo tiempo que estos sucesos se van desarrollando, tenemos a la protagonista Donna, madre y esposa de una familia prácticamente perfecta, quien por alguna razón decide tener un amorío con un conocido de su esposo. Cuando la verdad está por salir a la luz, Donna comienza un recorrido sin saberlo a una cadena de eventos que probará hasta qué límites será capaz de llegar por proteger a la familia a la que le dio la espalda.

Es bastante curioso que existan tan pocas películas sobre perros asesinos, siendo Cujo la única de buena calidad, y creo que esto demuestra bien el tabú que es pensar que algo así pueda suceder. Para nadie es agradable ver a un perro asesinar gente, son seres quienes se les confían niños, la mayor parte de las veces son considerados miembros de la familia y pocos vínculos hay tan fuertes entre animales y humanos.

La novela en la que se basa, escrita por Stephen King, posee un tono más oscuro y deprimente, pero es de entender que varios sucesos hayan sido modificados en la película, ya que si bien la cinta se resiste en todo momento a convertirse en un baño de sangre, la violencia es más bien de índole psicólogica, y posee ya suficientes escenas intensas.

A pesar de que las actuaciones no son impecables, la película lo compensa con su historia y sus logros técnicos, especialmente el maquillaje y el tenaz uso de los varios perros que encarnan a Cujo, para crear secuencias tensas y realistas.

Cujo no es oro puro, pero es una película más que decente, y definitivamente un nombre de importancia en el buen cine de suspenso. 

Krissaurus' Scary Movie Collection: Poltergeist

En Poltergeist, la más pequeña integrante de una familia de los suburbios se siente atraída por la estática de los televisores de la casa, a veces incluso platicando manteniendo conversaciones a altas horas de la noche, situación que los padres inicialmente culpan a la herencia de sonambulismo en la familia. Pero más sucesos extraños comienzan a suceder, y lo que en un principio parece divertido y despierta la curiosidad de los miembros de la familia se torna en algo cada vez más peligroso, que ha puesto sus ojos en la pequeña Carol Ann.
Poltergeist es quizá el mejor ejemplo de que la apreciación de la calidad de una película aún con el paso del tiempo es consecuencia de tener una base emocional con el que el público de toda época pueda conectarse, y eso es precisamente lo que se logra con la familia aquí retratada. Pasadas ya décadas desde su estreno en cine, y con efectos que a pesar de ser los más novedosos en su tiempo ahora no provocan las mismas respuestas en el espectador, la mayor fuerza de Poltergeist son los miembros de la familia, con un guión que nos permite durante grandes tramos pasar suficientemente tiempo con ellos para que nos importen al grado de llegar a sentirnos parte de la misma, lo que ocasiona que cuando el infierno se desate, estemos completamente involucrados.
Más que una historia de fantasmas, Poltergeist es una representación del efecto que causa en una familia el peligro de uno de sus integrantes, pasando desde los estragos en cada miembro hasta la conmovedora unión que sucesos así ocasionan. Sí quizá en su tiempo fue considerada terror, no queda mucha huella de ello, más bien parece ser una aventura familiar con el sello de Spielberg a todo lo largo. Mucho se ha dicho sobre el grado de involucramiento que dicho director en esta su primera producción, e incluso se ha rumorado fuertemente que fue él el responsable de filmar la mayor parte de las escenas, y no su director oficial Tobe Hooper. No lo sé y ha sido sujeto de mucha discusión, pero ciertamente al haber visto películas de ambos directores, si me preguntaran diría que Poltergeist es en su mayor porcentaje de Spielberg.
Las actuaciones son todas elogiables aquí, destacando JoBeth Williams y Beatrice Straight cuya calidez humana roba cámara aún a los espíritus chocarreros de la cinta. Circulan rumores tontos sobre una supuesta maldición que rodeó a esta saga, ( de la cual considero que sólo este primer episodio es necesario) y es algo triste que se le recuerde más por ello, cuando hay tanto por elogiar en cada persona envuelta, a pesar de cualquier tragedia que haya sucedido a miembros de un reparto de tan buena calidad.

Krissaurus' Scary Movie Collection: Scream

Scream es no sólo la película de terror más importante de los años noventa sino que se mantiene aún como un icono que no sólo renovó y revitalizó en su tiempo el entonces moribundo género, sino que a pesar de todo lo que vino después de ella (todo tipo de imitaciones y películas de parodia que quedaron demasiado en la conciencia de nuevas generaciones), muchos años después y alejados de todo el ruido, puede reconocerse otra vez lo tenaz y efectivo del inteligente guión de Kevin Williamson.
En el pueblo de Woodsboro, alguien está llevando su afición por el cine a niveles mortalmente peligrosos cuando jóvenes son acechados en la misma manera que sus películas de terror favoritas. Ellos conocen las reglas y saben lo que hay y no hay que hacer, pero la realidad lo cambia todo. La película logra mezclar exitosamente la comedia, el género slasher y el misterio de desenmascarar al autor de los crímenes.

Scream sigue siendo hasta estos días una de mis películas de terror más apreciadas en parte por los buenos recuerdos, pero también por cumplir con varias reglas que la sitúan arriba del estándar. Gran parte del éxito que logró radica en personajes sorprendentemente bien desarrollados para una película de su género, inclusive los amigos que rodean a la protagonista, quien personificada por Neve Campbell, simplemente se gana su lugar entre las más respetadas scream queens al no ser presentada como una simple víctima, sino como una joven que encuentra su fortaleza en medio del caos, alguien que en verdad deseamos que sobreviva.
La escena inicial es una excelente muestra de una secuencia de suspenso excelentemente manejada por el veterano Wes Craven, y que en su tiempo sorprendió a todos quienes estábamos equivocados al creer que el actor más conocido y promocionado en la campaña publicitaria estaría totalmente a salvo, algo solamente precedido de forma similar por "Psicosis" de Alfred Hitchock.
Las menciones y guiños a películas clásicas de terror son innmumerables, tanto que podrían pasar desapercibidos para el espectador promedio, pero que son un deleite para fans del género.
Destinada desde su estreno a convertirse en un clásico como los que homenajeaba, sólo podemos esperar que cualquiera que sean los planes que el futuro puedan traer los dueños de los derechos de la saga, no hagan a la gente olvidar lo novedosa y vanguardista que fue en su tiempo.

Gravity: No te sueltes.

Tal vez este review será corto, porque es difícil mencionar mucho de esta película que no reste a la experiencia de asombro cuando la vean por primera vez. Incluso ni siquiera incluiré la trama para que al igual que yo, vayan en blanco, y no tengan idea de donde vendrá el golpe. Basta decir que como se veía de lejos, Gravity es ciertamente de las mejores películas de este año, sobre una misión espacial que en segundos se torna en una batalla por sobrevivir, y que indudablemente será campeona de varios premios en los Óscares, ya que no sólo es visualmente impresionante, y no sólo tiene excelentes actuaciones de parte de George Clooney y Sandra Bullock, sino que también presenta un mensaje importante sobre el que cualquiera puede identificarse y necesita prestar atención. A pesar de estar confinada la trama a dos personajes, en ningún momento queda a deber. Como los grandes contadores de historias, Cuarón usa todo su lenguaje cinematográfico para crear un inesperada gama de simbolismos de la vida misma y al hacerlo dota a su película de una mayor importancia que simples méritos técnicos.
Realmente es difícil encontrarle peros a algo tan bien realizado como esto, que aún cuando pudo haber tenido limitantes por lo ambicioso de su propuesta, sale avante con un espectáculo original, y una aventura tensa y emotiva a la vez, con el mejor uso del 3D que he visto a la fecha, no sólo por lo bien que se ve, sino porque es usado a favor de la historia, y no imagino una experiencia igual de sumergidora sin él.
En resumen, una maravilla que necesita verse en una pantalla grande, de preferencia digital y con 3D. Háganlo así y difícilmente encontrarán fallos a la experiencia a no ser por buenas dosis de vértigo, porque Gravity rescata la mera razón por la que debe de existir el cine.

Krissaurus' Scary Movie Collection: Final Destination 2

Hay algo especial en el cine de terror, su misma naturaleza lo hace (cuando está bien realizado) un mensaje aleccionador.Y bueno no celebro Halloween. Pero me agrada que para el cinéfilo promedio haya una época del año tan prolífica para ver y celebrar este género y todos sus derivados, desde comedias de horror como Gremlins o Beetlejuice, pasando por "terror" infantil como The Corpse Bride, así como grandes clásicos. Es una época en la que todo este cine está más que accesible que en el resto del año, y quise compartir lo que tengo dentro de mi colección. No todo este material es oro, pero esta ahí por alguna razón y cada que en esta temporada me de el tiempo de revisitar alguna de estas películas, se las presentaré y les diré más o menos porque está ahí y porqué vale la pena.

La película de hoy: Final Destination 2. A mi parecer superior a la primera en ciertos aspectos, ya que la historia fluye mejor y aunque el desarrollo de la historia se reduce para dar paso a un ritmo más vertiginoso y mayores opciones de carnicería humana, a mi simplemente me resulta más entretenida, y es probablemente la única de las películas de esta saga sin el predecible final de que todos mueran.
La trama, ya muy conocida y repetida a estas alturas. Una joven se dispone a salir de la ciudad con sus amigos, pero en medio de la carretera tiene una violenta premonición sobre un horrible accidente donde muchos perderán la vida. Logra detener este destino para varios, pero uno a uno la muerte les irá pasando factura.
El accidente inicial es no apto para quien está por salir a carretera, y definitivamente es de las mejores secuencias de choques que encontrarán en cine.
¿Porqué es parte de la colección? Porque a pesar de estar alimentada en el supuesto morbo de ver a sus protagonistas recibir terribles finales, la dosis de adrenalina está llevada de una forma aún decente y hasta cierto punto entretenida. Además de que el tema (ahora ya gastado), era aún interesante cuando salió esta secuela. No hay forma de escapar a la experiencia de morir estando en esta tierra, y aunque todos tenemos temor a ésta o a la forma en que venga, es a través de una vida que valga la pena que podremos restarle mucho a ese temor.

"WE are the music makers. WE are the dreamers of dreams." Willy Wonka & The Chocolate Factory.

Las generaciones de ahora mayormente recuerdan al Willy Wonka original por el conocido meme en las redes sociales, o tendrán de única referencia a la personificación de Johnny Depp en la película de Tim Burton, pero gran parte de mi generación estará de acuerdo en que el Willy Wonka definitivo aún sigue siendo Gene Wilder en la versión de 1971 de Will Stuart, primera adaptación del libro clásico de Road Dahl.

Lo primero que vale la pena recordar sobre este clásico es que es es un musical, y uno muy muy bueno, con composiciones a la altura de The Wizard of Oz o The Sound of Music. La cinta abre de hecho con la culturalmente conocida "The Candy Man Can" y desde ahí es difícil no dejarse llevar.

Poco tiempo después conocemos a Charlie en la persona de Peter Ostrum, y lo que me agrada mucho es que no tratan de hacer al niño un ángel intachable con cara manipulable para inspirar ternura, y sin embargo termina por generar mayor simpatía por esto y una que otra escena chusca para quitarle de encima el aura de santo y verlo como un niño más que también desea divertirse. Es fácil si tuviste una infancia donde no obtenías todo lo que pedías, identificarte con una u otra escena. El joven vive con sus cuatro abuelos y su madre y coopera con la casa mediante un trabajo de repartidor de diarios, y es necesario hacer mención aquí del abuelo de Charlie, interpretado por el genial Jack Albertson, quien es el conecte con la audiencia sobre la capacidad de ser soñadores impedernidos a pesar de la edad.

Toda la primera mitad de la película habla sobre la búsqueda del boleto dorado que permitirá visitar la fábrica de chocolates de Willy Wonka y a excepción de unas escenas un con un humor un tanto forzado, toda esa primera parte se siente suficientemente real (hablando de una película de fantasía) para poder relacionarnos con ella. Es un gran acierto que el personaje de Willy Wonka no aparezca durante todo este tiempo, alimentando el misterio y la expectación logrando que cuando el momento de entrar a la fábrica llega, el entusiasmo sea compartido con la audiencia.

Una vez entramos a la fábrica la película es toda de Gene Wilder, cuya interpretación de Wonka es inteligente, suficientemente serio y niño a la vez, cínico y siniestro en la dosis correcta, sin convertirse en una caricatura como el Wonka de Tim Burton. No hay palabra que diga que no contribuya a hacer crecer su personalidad, sus oompa loompas son todos unos personajes con sus canciones aleccionadoras y coreografías, y... que más puedo decir sin aburrirles, es una película plagada de atención a pequeños detalles que la enriquecen y la hacen tremendamente disfrutable a pesar del paso de los años, principalmente porque nos adentra en un mundo imaginativo donde no era necesario el empleo de gráficos a computadora para llevar a cabo una visión tan llena de imaginatividad. El hecho de que la cinta sea diseñada para apelar tanto al adulto como al niño (con momentos que seguro hicieron que padres en ese tiempo levantaran la ceja) es probablemente uno de sus mayores logros.

Finalmente lo reitero, lo que convierte relatos como éste en perdurables es la forma en que emplee sus encantos para dar una declaración sobre la vida real, a través de mensajes que sigan apelando a los dilemas humanos. En el caso de Willy Wonka and the Chocolate Factory todo es un asunto sobre fe, y mantenerse fiel a los actos que nos hacen más valiosos que los medios que puedan aplacar nuestra necesidad aún en medio de la crisis. Que el corazón no egoísta sea valorado por alguien mayor y tenga una recompensa en un mundo donde el dinero parece mandar, bueno, la gente necesita recordar y creer aún en mensajes como ése.

"Charlie, just be glad you are you."

Evangelion 2.22: You Can (Not) Advance

Ahora que gracias a Del Toro se pusieron de moda los monstruos y robots gigantes, decidí darle una visitada a dos películas japonesas importantes que nunca había visto. La primera fue Godzilla de 1954 y la otra es la segunda parte de esta serie de películas animadas de Hideaki Anno donde da una nueva (y definitiva?) visión de su anime noventero Neon Genesis Evangelion, en el cual sigo diciendo que Del Toro basó gran parte de Pacific Rim.
Hace muchos años, y mucho tiempo más tarde que el resto de mis amigos de la prepa, tuve la oportunidad de ver la saga de Neon Genesis Evangelion en su forma original, y la verdad es que si no la han visto por sacarle a las "caricaturas" japonesas se han perdido de muy buenos y complejos ratos.
Por la razón que quieran no pude terminar de ver la serie, pero supe que ni su creador quedó contento con ella, razón por la que sacó dos películas más para tratar de darle un final, y tampoco quedó completamente satisfecho con esto, principalmente por causa de una depresión que tenía en esos momentos y límites de presupuesto.
Así nace hace unos años la nueva colección de películas llamada "Rebuild of Evangelion" conformada por cuatro partes, la tercera recién fue estrenada en Japón, pero a la venta en video en nuestro continente solo están las primeras dos.
¿De qué tratan? Mi forma más básica (y confinada a mi entendimiento) sería así: en un mundo apocalítico donde se han reconstruido ciudades tras dos impactos fatales que casi eliminan toda vida terrestre, criaturas llamadas ángeles son enviadas una tras otra para ocasionar el Tercer Impacto que acabará con el mundo que conocemos. Estos no son tus típicos ángeles, son monstruos enormes con distintos y crueles métodos de ataque. A través de ADN obtenido de algunos de estos ángeles, los humanos han construido robots con características biológicas, que se sincronizan con adolescentes cuidadosamente escogidos y en cada batalla no sólo se juegan la vida sino la cordura.
Y bueno la primera película "You Are (Not) Alone" relata el inicio de la saga de manera muy fiel a los primeros capítulos de la serie, con animación mejorada y obviamente ciertos cortes a la historia para poder caber en una película. Parte de lo que la hizo buena pero no tan convincente es eso, que parecía ser sólo un refrito de mayor calidad pero recortado de algo que ya habíamos visto.
No es el caso con "You Can (Not) Advance", donde la historia toma varios giros inesperados y la verdad, esto funciona para gran beneficio de este Rebuild.

Desde que la película comienza se siente una mayor confianza y libertad al introducir a un nuevo personaje con una secuencia que finalmente aprovecha el formato cinematográfico en lugar de sentirse limitada por él. Cuando regresamos con los personajes que ya creíamos conocer, nos damos cuenta que se sienten menos fríos que lo que habíamos visto en la serie, y una vez que tras unas buenas secuencias nos permiten pasar más tiempo viéndolos fuera de batalla, los llegamos a apreciar en una distinta forma a la que la serie originalmente logró. De esta manera, cuando hay una nueva batalla, ya no se queda sólo en momentos gráficos o tensos, sino que emocionalmente ya hay más envolvimiento de parte del espectador, sin hacer el contenido menos complejo o abaratado. Si en la serie original Hideaki Anno estaba deprimido y mucho del material parecía reflejar negatividad o desesperanza, no es así con Evangelion 2.0. Esta segunda parte está muy bien acompañada con momentos en que ciertas enseñanzas sobre madurez y relaciones unos con otros son muy bien colocadas sin sentirse forzadas. Si antes veíamos al protagonista sumido en lamentaciones y aislándose del mundo, aquí vemos el resultado en sus emociones de la gente que ha ganado como amigos, y más importante, se nos permite verlo al final por primera vez con tintes más heroicos de lo que antes pudiéramos haber visto.
La película es mucho más dinámica y con una mejor fluidez que "You Are (Not) Alone", realmente por ratos sientes que su peso grita "adaptación cinematográfica". Su música es tremenda aunque muy constantemente desaparece entre la explosión y gritos, pero hay un momento en donde una canción con voces infantiles se oye en contraste con una escena altamente cruel, y el resultado es sorprendentemente efectivo para acentuar el terror de la escena.
Evangelion es para adultos, y esta película sólo es un testamento del potencial que siempre tuvo, pero que ahora se ve plenamente desarrollado. Ojalá la tercera y cuarta película vayan en la misma dirección.

IRON MAN 3: La Consolidación de Tony Stark

Iron Man 3 no es sólo la aventura más difícil de Tony Stark, también es la mejor de las llevadas a la pantalla grande. Cinematográficamente hablando, la película cumple tremendamente con su propósito de entretener y no ser repetitiva ni un espectáculo vacío por dentro. Está definitivamente entre lo mejor que Marvel Studios ha producido y me atrevería a decir que si bien fácilmente está al nivel de The Avengers, en ocasiones las decisiones arriesgadas y lo dinámico de sus secuencias de acción la sitúan por encima de ésta.

Las primeras dos películas fueron dirigidas por Jon Favreau, y si bien no hay casi queja de su trabajo (aunque la 2a parte se vio invadida por el fenómeno Avengers) la nueva dirección a cargo de Shane Black dota de una nueva y necesitada energía al tercer capítulo de la saga (y tal vez último).

Siempre he dicho que el carisma de Downey Jr. es de las mayores fortalezas de Iron Man, pero en esta entrega podemos ver a un Tony Stark más heroico que nunca, ya que las nuevas y más complejas encrucijadas en las que se ve envuelto le hacen ganar una mayor (sí, aún mayor) simpatía de parte del espectador. Gwyneth Palthrow, Don Cheadle y el mismo Favreau tienen mayores oportunidades de brillar de mano de los riesgos de sus personajes. Ben Kingsley se luce camaleónicamente como el Mandarín, siendo la mayor sorpresa de la película, y adueñándose de momentos que lo situarán como el villano más controversial de Marvel por un buen tiempo. Hay que decir también que da gusto ver a Guy Pearce actuando en estas películas (el año pasado en Prometheus), ya que largo o corto el tiempo que aparezca, logra un gran trabajo.
La música a cargo de Brian Tyler ayuda mucho a lo arriba mencionado y le da a Iron Man su primer tema musical específico, el cual probablemente se mantengan tarareando cuando salgan de la sala.
La cinta está plagada (en el buen sentido) de giros y sorpresas que no querrán que nadie les arruine, y la tensión se vive a cada instante, algo que no es tan sencillo de conseguir en este género donde el que estemos acostumbrados a que todo termine resolviéndose se puede llevar parte de nuestro interés en la trama.
En resumen, una excelente película de superhéroes, tal vez mi favorita en la saga. Yo necesitaba ver esta faceta de Iron Man, y me da gusto que no hayan mostrado temor con las decisiones tomadas. Esta es la consolidación de Tony Stark.

9/10